Entre el trabajo, la vida cotidiana, las frustraciones y todas esas ideas que rondan mi cabeza sin materializarse, siempre termino pensando en lo mismo: ¿por qué no estoy trabajando en mis propias ideas? ¿Por qué siento que no tomo la iniciativa con algo que es mi verdadera pasión? Los días pasan, sigo inmerso en la rutina y no despego con mis proyectos personales. Esa es una pregunta que me hago a diario, que me da vueltas en la mente y que aún no logro descifrar del todo.

La realidad es que amo la fotografía y amo hacer videos; llevo años dedicándome a esto. Lo hago constantemente para mis clientes, entrego resultados y cada día aprendo algo nuevo. Pero cuando se trata de los proyectos propios, esos que nacen de una inquietud personal y que yo mismo quisiera dirigir, simplemente no avanzo. Es como si mi energía creativa se enfocara tanto en el trabajo comercial que a veces siento que me quedo sin combustible para lo mío.

Esta semana he pensado mucho en Extraordinarios, ese proyecto personal de retratos que comencé hace unos meses. Hice la primera sesión, fluyó, y de repente, ahí me detuve. Me desmotivé totalmente, me dejé ganar por el sobrepensamiento. No logré sostener el ritmo y dejé de planear las siguientes sesiones, a pesar de contar con personas valiosas que ya me habían dicho que sí y estaban dispuestas a participar. Me frustra saber que el freno lo puse yo mismo.

Y ahora, casi de forma instintiva, mi mente solo piensa en hacer videos: documentar mi vida diaria, grabar a otra gente, capturar el movimiento de lo que me rodea. Pero no logro aterrizarlo, me cuesta descifrarme como profesional en este momento de transición y no entiendo bien qué me pasa.

Quiero salir a flote sin sobrepensar tanto cada detalle. Quiero romper este bloqueo creativo sin sentir temor o culpa por darme cuenta de que, tal vez, por ahora no quiero hacer más fotos estáticas, sino enfocarme en contar historias a través del video. A veces me cuestiono si es culpa del contenido que consumo últimamente, si el algoritmo nos está empujando a seguir tendencias en lugar de permitirnos tener un verdadero libre albedrío creativo. Sin embargo, lo único que sé con certeza es que ahora mismo quiero hacer video, ya sea empuñando mi cámara o simplemente usando mi móvil.

No sé exactamente qué pasos seguir a partir de ahora, y por primera vez quiero aceptar esa incertidumbre. Voy a permitirme parar, frustrarme si es necesario, y comenzar de nuevo. Quiero empezar a registrar este proceso, soltar las expectativas y ver mis avances a través de este blog.

Esto aplica para cualquier aspecto de la vida, pero hoy te voy a hablar como fotógrafo.

Hace un par de semanas me atreví a invitar a una persona a participar en Extraordinarios. Había esperado mucho por el “momento perfecto” para proponérselo y, cuando lo hice, sentí que las cosas fluyeron. Asumí que el “sí” era definitivo, pero todo cambió poco después. Empecé a avanzar con mi proceso habitual: creé el moodboard y se lo envié para compartir la visión creativa. Sin embargo, su respuesta fue distinta a la que esperaba. Sentí resistencia y, finalmente, un rechazo.

No les voy a mentir, me frustré un poco. Inconscientemente, sentía que ya estaba en un punto de mi carrera donde la gente suele ser más receptiva a mi trabajo y acepta con mayor facilidad.

Y aquí viene la parte más importante: hazte responsable de tu orgullo.

¿Por qué digo esto? Porque en ese momento me sentí extraño. Mi cabeza empezó a sobrepensar, buscando qué había hecho yo para causar que esta persona se retractara (aunque lo hizo de forma muy amable, y sigo pensando que tiene una energía increíble). Me desilusioné, claro, porque ya contaba con ella para cumplir mis objetivos de la sesión.

Pero esta situación me dejó una gran enseñanza y, honestamente, agradezco que llegara en este momento. No debemos asumir el rechazo como un ataque personal. No pensemos que hicimos algo mal o que nuestro trabajo no es lo suficientemente bueno. Hay que entender que las personas tienen sus propias realidades: situaciones personales complejas, agendas llenas, o tal vez simplemente no se sienten cómodas frente a una cámara en ese instante. Incluso pueden arrepentirse, y eso está totalmente desligado de tu valor profesional.

Me hubiese encantado hacer esa colaboración porque, como mencioné en mi artículo anterior, su perfil despertaba mi curiosidad visual y encajaba perfecto con la esencia de lo que estoy buscando. Pero no puedo controlarlo todo ni forzar los resultados. Aunque hubiera intentado convencerla con mis argumentos, soy de los que piensan que las cosas deben fluir. Ese componente de naturalidad y disposición es vital para que todo salga como realmente quieres en el set.

El increíble aprendizaje que me deja esta experiencia es claro: toma la responsabilidad de tus proyectos y de tu ego. No te desanimes si algo no sale como esperabas. Contempla la posibilidad de que, muchas veces, el resultado final no está en tus manos. Simplemente no ocurrió esta vez. La rueda sigue girando, vendrán más personas, conocerás nuevas historias y, sin duda, llegará más gente extraordinaria.

Este 2026 me propuse retomar esos proyectos fotográficos que alguna vez garabateé en una libreta y que quedaron olvidados durante años. Pero al tomar acción, al empezar a soltar los miedos y afrontar nuevamente esa adrenalina que me causaba tomar la cámara, la pasión ha vuelto y no me arrepiento de nada.

No les voy a mentir, he sentido miedo. No solo de desempolvar ideas, sino de acercarme a las personas para pedirles que participen. Y no es por falta de experiencia —he estado en sets y campañas grandes, sino porque el simple hecho de volver a mis orígenes, a esa esencia que me conectó con la fotografía a través de proyectos propios, genera una vulnerabilidad y una incertidumbre inmensas.

Desde hace un tiempo, tenía en mente a una persona de mi entorno para Extraordinarios. La veía seguido, pero nunca habíamos cruzado palabras. No me atrevía a hacerle la propuesta; siempre dilataba el momento buscando la ocasión “perfecta”, que obviamente nunca llegaba. Me había puesto como meta hablarle antes de que se acabara este mes de abril. Si no lo conseguía, dejaría pasar la oportunidad, y sabía que sería duro perdonármelo porque esa persona había despertado genuinamente mi curiosidad visual.

Pero el viernes tuve mi momento de claridad y di un salto de fe. No le di más largas al asunto. Me acerqué con miedo, pero con determinación. Le hablé y le comenté sobre el proyecto. Aunque el discurso que había ensayado en mi cabeza no salió, me temblaban las manos y casi no puedo anotar su número, en cuestión de segundos me sentí cómodo. Resultó ser una buena persona, con una gran energía y toda la disposición para participar. Eso me alegró muchísimo, no solo porque cumplí mi meta personal, sino porque confirmo que tiene un potencial increíble frente al lente y aún no lo sabe.

Más tarde comprendí que volver a los orígenes asusta. Te da miedo acercarte a la gente y pensar en cómo recibirán tus ideas. Pero enfrentar eso es lo que te hace crecer de nuevo; es lo que evita que te estanques en proyectos que terminas haciendo solo por compromiso. A veces, estás a un solo paso de hacer la mejor sesión de tu vida, y lo logras únicamente porque decides dar el salto y aceptar la posibilidad del rechazo.

Como dicen por ahí: “El no ya lo tienes asegurado, ahora ve por el sí“.

Debo comenzar diciendo que me equivoqué y nunca pensé confesarlo en este espacio, jajaja. Toda la vida creí que lo más importante en la producción de video eran los equipos, la resolución, los modelos o los conceptos, y siempre dejaba la iluminación para el final. Pero la verdad cobró vida en mi última producción: la luz pasó a ser mi mayor prioridad. ¿Y por qué lo digo?

Este viernes tuve un rodaje para redes sociales con una marca a la que quiero mucho y con la que llevo un tiempo trabajando. Llegué al lugar según lo acordado, empecé a armar los equipos y pasé a las luces. Normalmente, me iba por un esquema seguro y sencillo de dos fuentes de luz, pero esta vez tuve una epifanía. Me pregunté: “¿Por qué no intentar algo diferente?” Y la otra voz en mi cabeza respondió: “¿Y por qué no?”.

Entonces planteé un esquema distinto. Ubiqué mi luz principal (key light) y utilicé las otras dos para jugar: una dibujaba la silueta del elemento para separarlo del fondo y la otra iluminaba el relleno, pero de manera muy sutil. Jugué con las temperaturas de color buscando esos acentos cálidos que le dan tanta vida a la imagen, y a pesar de que el esquema no fue algo del otro mundo, el resultado cambió por completo. ¡Me encantó!

Esa pequeña variación le dio otra percepción a la escena y al sujeto. Creó una narrativa visual totalmente diferente y me abrió las puertas a apostar por cosas nuevas en lugar de irme siempre por el camino más seguro.

Sí, lo sé, me hace falta estudiar más la luz, pero esto me abre una oportunidad gigante para complementar mejor mis ideas a partir de algo tan esencial y a la vez complejo. Prometo obsesionarme con ella; quiero empezar a crear narrativas a través de la luz y llegar a entenderla a profundidad.

Mi recomendación el día de hoy es esta: arriésguense. No pasa nada. Aprendan, sueñen y, lo mejor de todo, enamórense del proceso sin obsesionarse con el resultado.

Es fácil dejar que la cámara se convierta únicamente en una herramienta de trabajo. Entre los requerimientos de los clientes, los tiempos de entrega y la optimización de los flujos de producción, a veces se nos olvida por qué empezamos a encuadrar la realidad a través de un lente en primer lugar.

Ahí es donde entran los proyectos personales. No son solo un escape; son el motor invisible que mantiene viva nuestra chispa creativa. Hoy quiero compartirles cómo es el ciclo de vida de un proyecto personal, desde que es una simple idea hasta que ve la luz, tomando como ejemplo mi serie fotográfica “Extraordinarios”.

Encontrar el propósito

Todo proyecto personal nace de una inquietud. En mi caso, quería documentar algo más que estética; quería capturar a individuos con habilidades profesionales notables y un carácter único. La idea era sencilla pero poderosa: usar el retrato para rendir homenaje a la brillantez y a la calidad humana de las personas que nos rodean.

Cuando encuentras un concepto que te entusiasma genuinamente, el proyecto deja de ser una “tarea pendiente” y se convierte en una necesidad creativa.

El primer paso

La fase más difícil de cualquier proyecto es empezar. La perfección es el enemigo de la acción, así que la clave es arrancar con los recursos que tienes a la mano y con las personas en las que confías.

Para “Extraordinarios”, decidí que el primer participante tenía que ser alguien cuya disciplina, proyección y personalidad admiro profundamente. Elegí a Johan, un amigo del gimnasio. Fotografiar a alguien con quien tienes una amistad cambia por completo la dinámica en la sesión. No hay presiones comerciales, solo el objetivo de capturar su esencia pura. Ese primer disparo es el que rompe el hielo y le da vida real al proyecto.

La ejecución

Es el momento perfecto para experimentar con ese esquema de iluminación que no te atreves a probar con un cliente impaciente, o para llevar la corrección de color en DaVinci Resolve un paso más allá de tu flujo de trabajo habitual.

Durante estas sesiones, el enfoque no está en vender un producto, sino en conectar con el sujeto. Es en este espacio de libertad técnica donde solemos descubrir herramientas que luego terminan enriqueciendo nuestro trabajo comercial.

El lanzamiento

Llega un punto en el que el material está editado, la serie toma forma y es hora de compartirlo. Publicar un proyecto personal siempre genera un poco de vértigo porque es una parte de ti expuesta al mundo, sin la excusa de “es lo que pidió el cliente”.

Lanzar “Extraordinarios” en mis redes sociales no solo fue el final de un ciclo, sino el comienzo de otro: la interacción con la audiencia y la búsqueda del siguiente rostro para la serie.

Grabar en perfiles logarítmicos, específicamente en S-Log3, suele ser el “monstruo debajo de la cama” para muchos videógrafos que están empezando o que incluso ya tienen recorrido. Al principio, mi mayor miedo era arruinar una producción porque no entendía la dinámica de este perfil.

Después de más de 10 años en la fotografía y el video, aprendí que la clave no está en memorizar reglas de internet, sino en entender cómo funciona el sensor de tu cámara y, sobre todo, en tener herramientas de monitoreo confiables.

El mito de la exposición a +1.7 y +2.0

Si has buscado tutoriales, seguramente lo primero que escuchaste fue: “Expón siempre a +1.7 o +2 paradas de luz”. Yo también lo intenté, pero la realidad en el set es muy distinta.

¿Por qué falla esta regla? Porque depende enteramente de lo que hay en el encuadre. Si tu sujeto lleva una camiseta blanca brillante, el exposímetro de la cámara te dará una lectura “engañosa” y podrías terminar subexponiendo las sombras o quemando información valiosa. Muchas veces seguí esa regla al pie de la letra y el resultado final simplemente no me convencía; el ruido en las sombras o la falta de rango dinámico seguían ahí.

Mi método para grabar con tranquilidad: El flujo de trabajo real

Para perderle el miedo al S-Log3, tuve que cambiar mi forma de monitorear la imagen. Aquí te comparto lo que realmente me funciona hoy y me permite estar tranquilo en producciones de alto nivel.

1. El poder de un LUT de monitoreo personalizado

Lo primero que hice fue dejar de confiar en el monitor LCD de la cámara. Creé un LUT base en DaVinci Resolve que refleja mi estilo de color y la transformación técnica de S-Log3 a Rec.709.

Este LUT no es para el resultado final, sino para visualizar una idea clara de la iluminación en la escena. Lo cargué en mi monitor Atomos Ninja y lo tengo configurado para que sea lo primero que vea al encender el equipo. Ver una imagen “terminada” mientras grabas te da un 70% de tranquilidad mental.

2. False Color y EL ZONE: La precisión técnica

El otro 30% de mi seguridad viene de las herramientas de medición. Aunque el histograma ayuda, el False Color (Falso Color) es un antes y un después.

Últimamente, he estado probando mucho el sistema EL ZONE. A diferencia del falso color tradicional basado en porcentajes IRE, EL ZONE se basa en paradas de luz (stops), lo cual es mucho más intuitivo para quienes venimos del mundo de la fotografía. Esto me permite aplicar ratios de contraste precisos, asegurándome de que el lado de sombra y el lado de luz de un rostro tengan la relación exacta que busco para mi narrativa visual.

La edición de color como herramienta de apoyo

No puedes ser un gran videógrafo en S-Log3 si no entiendes qué pasa después en la postproducción. Trabajar profundamente en la edición de color en DaVinci Resolve te da las herramientas para entender qué tanta información puedes recuperar y cómo se comporta el ruido según tu exposición.

Al entender el revelado digital, pierdes el miedo a la toma, porque sabes exactamente hasta dónde puedes estirar el archivo.

Conclusión: Encuentra tu propia técnica

Mi invitación es que sigas probando. No te quedes con una sola opinión; busca técnicas, ensaya en situaciones de luz controlada y luz natural, y encuentra el flujo que te haga sentir seguro. El S-Log3 es una herramienta increíble para maximizar el rango dinámico de tus cámaras Sony, y una vez que dominas el monitoreo con LUTs y herramientas como EL ZONE, no querrás volver atrás.

Te mentiría si te dijera que siempre publico mis proyectos sin dudarlo. Es normal sentir ese nudo en el estómago justo antes de presionar el botón de publicar. De hecho, antes de compartir algo, se me pasa por la cabeza todo lo que implica que la gente observe mi trabajo: me pregunto si entenderán el concepto, si la iluminación es la adecuada, si la historia se transmite bien o si el modelo fue el indicado.

Son detalles que a veces solo el creador nota, pero pesan mucho. Luego, mi mente entra en una segunda etapa, un poco más ligada al ego: ¿le darán like?, ¿dejarán comentarios?, ¿compartirán las fotos? Es muy fácil caer en la trampa de medir nuestro valor por los números de una pantalla.

Pero hace poco comprendí algo fundamental: no se trata de buscar la validación de los demás. Esa validación es efímera y no define la calidad de lo que hacemos. Lo que realmente busco es que a mí me guste lo que publico. Quiero sentir que logré mi objetivo, ver mi propia evolución, tener la certeza de que es un buen trabajo e inmortalizarlo para el mundo. Al final del día, ese archivo visual es mi propio diario de vida, una galería de todo lo que he aprendido y superado con cada disparo.

Siempre he creído en la ley de causa y efecto. ¿A qué me refiero? Una vez que te haces responsable de tu arte y lo traes al mundo, creas algo que antes no existía. Rompes el silencio con tu visión y le das voz a tus ideas. Es entonces cuando surgen las oportunidades. Encuentras personas que conectan con tu visión y quieren llevar tu estilo a sus propios proyectos. Gente que se inspira en lo que haces y que te impulsa a seguir creando. Y la realidad es que ni los likes ni los comentarios lograron eso; fue la conexión genuina que generaste gracias a la valentía de mostrar tu trabajo.

Por eso, la mejor lección que te puede dar la vida como artista es esta: no tengas miedo de mostrar tu talento. El mundo necesita ver eso que solo tú sabes hacer de esa manera particular. No te obsesiones con los resultados numéricos. Disfruta el proceso, aprende, siente y mejora cada día. Pero, sobre todo, vive tu arte sin miedo y atrévete a dejar huella. Porque una obra que se queda guardada en un disco duro no puede inspirar a nadie.

3 tipos de clientes con los que prefiero no trabajar (y por qué)

Después de más de una década detrás de la cámara, he aprendido a identificar ciertos comportamientos de clientes de los cuales, sinceramente, prefiero huir. Y quiero dejar claro algo desde el principio: no es una cuestión de ego. Se trata de entender la vital importancia de la relación entre el cliente y yo.

Para que un proyecto visual realmente funcione, es fundamental que ambas partes estén alineadas hacia el mismo objetivo y mantengan una comunicación clara. Lamentablemente, aquí es donde la mayoría de las veces todo falla.

A lo largo de mi experiencia, he clasificado estas “red flags” en tres tipos de clientes con los que he decidido no trabajar:

1. El cliente que no conoce (o no entiende) el ADN de su marca

Este es el caso más común. En el primer acercamiento, mi objetivo principal es entender cómo es la marca: cómo la visualiza el cliente, cómo se la imagina, cómo actúa, qué le gusta. Necesito captar esos rasgos esenciales para poder tangibilizar sus ideas y crear una base sólida sobre lo que queremos comunicar.

Sin embargo, muchas veces al cliente le da pereza llenar un brief o simplemente no lo ve necesario. Personalmente, considero que el 70% del éxito de una producción radica en entender a la marca. Si un cliente presenta resistencia a explorar y definir su propia identidad desde el día uno, prefiero decir que no.

2. El cliente desconectado del plan de trabajo

El segundo tipo es aquel que no se compromete con el proceso. Es el cliente que no cumple con los acuerdos pactados o que ignora por completo el cronograma de trabajo establecido.

Un proyecto visual es una vía de doble sentido. Cuando el cliente se desentiende, suele esperar que todo caiga en manos del fotógrafo: la estrategia, los copys, la dirección creativa absoluta y la toma de decisiones que le corresponden a la marca. Esto hace que volvamos al primer punto: demuestran que no entienden su negocio y mucho menos a su público objetivo.

3. El cliente que no valora tu experiencia ni tus ideas

Finalmente, está el cliente que no respeta el valor de tu trabajo. Es aquel que, al recibir una propuesta económica, te responde con la clásica frase de que “su primo se lo hace más barato” o intenta rebajar el presupuesto a un punto irrisorio.

Este cliente ignora que no está pagando solo por alguien que presiona un botón. Está pagando por más de 10 años de conocimiento acumulado, equipos profesionales, planeación, preproducción y postproducción. Cuando no hay un respeto básico por la inversión y el profesionalismo que hay detrás de la cámara, es imposible construir una relación laboral sana.

En conclusión

Mi mayor consejo para otros creativos es dejar las cosas claras desde el principio y entender que, muchas veces, es mejor decir que no.

Atraer y aceptar clientes con estas características siempre se convierte en un dolor de cabeza. A corto o mediano plazo, terminan representando un desgaste de energía y una pérdida real de dinero. Decir “no” a tiempo no es perder un cliente, es ganar la tranquilidad y el espacio para trabajar con marcas que realmente valoren tu arte.

Debo confesarlo: antes de cualquier sesión me dan nervios. Aunque llevo más de 10 años haciendo fotos, considero que esta sensación es buena; me mantiene con los pies en la tierra. Una vez empiezo, me conecto tanto con mi cámara que nos volvemos uno solo.

Para canalizar esa energía y asegurar que todo salga perfecto, he desarrollado una serie de hábitos a lo largo de este tiempo.

1. Reviso y limpio mi equipo con anticipación Lo hago mínimo un par de días antes. Esto me da un margen de maniobra invaluable: si algo no funciona, tengo una ventana de tiempo para resolverlo sin estrés antes de la sesión.

2. Preparo las memorias y la energía Va de la mano con el punto anterior. Reviso tarjetas SD, baterías y cables. Llevar extras para cualquier eventualidad es una regla infaltable.

3. Uso un checklist detallado Anoto y verifico todo el material que estoy alistando: cámaras, luces, baterías, cables, disparadores, etc. Así no le dejo nada a la memoria.

4. Repaso el moodboard Vuelvo a revisar las referencias pactadas con el cliente. Analizo los planos, la intencionalidad y visualizo los posibles esquemas de iluminación que voy a utilizar.

5. Llego con tiempo de sobra Este paso es vital para empezar a adaptar la locación, montar el esquema de iluminación con calma y hacer las primeras pruebas antes de empezar a disparar.

6. Establezco una relación de respeto y claridad Al trabajar con modelos, les explico claramente cuál es la intención de la sesión y cómo será la dinámica. Hago pruebas previas y, sobre todo, mantengo siempre el respeto profesional: nunca abordo físicamente a nadie para corregir una pose sin pedir su consentimiento previo.

7. Verifico al empacar Una vez terminada la jornada, me aseguro de que todo el equipo quede empacado de forma correcta y segura, verificando que no se quede nada en el set.

8. Hago copias de seguridad inmediatas Al llegar a casa, e inmediatamente, descargo el material y realizo el backup en al menos dos discos duros distintos.

Estos son los hábitos que uso en mis sesiones de fotos y video. Espero que puedas adaptarlos a tu flujo de trabajo; créeme, te pueden salvar de un mal momento.

Después de más de 10 años de trayectoria en el mundo de la fotografía y el video, puedo afirmar algo con total seguridad: mi gran maestro sigue siendo YouTube. El “rey indiscutible” del contenido visual ha sido, y sigue siendo, mi principal motor de actualización.

Esta semana, mientras buscaba temas para este blog, muchas ideas pasaron por mi mente. En medio de esa búsqueda, terminé haciendo lo que suelo hacer cuando necesito claridad: ver videos de mis referentes. Fue en ese instante cuando me pregunté: ¿Por qué no hablar de la fuente de inspiración que me ha acompañado durante años y que me ha ayudado a ser un mejor fotógrafo y videógrafo?

El aprendizaje en la era del “clic”

Hace tiempo que entramos de lleno en la era virtual, donde el aprendizaje express marca nuestro ritmo diario. Ante cualquier duda técnica o creativa, nuestra primera reacción es acudir a plataformas como Instagram, TikTok o YouTube. Para mí, estas redes son bibliotecas infinitas que nos ofrecen la libertad de contrastar opiniones y aprender de experiencias ajenas en tiempo real.

Cada día encuentro algo nuevo: desde formas innovadoras de editar imágenes apoyadas en IA, hasta cómo lograr gradaciones de color de cine o efectos especiales en casa que antes solo eran posibles en grandes estudios. El ritmo es vertiginoso y, a veces, difícil de seguir, pero es precisamente eso lo que lo hace emocionante.

El conocimiento está en tus manos

¿Por qué te cuento esto? Porque hoy, más que nunca, todo es posible. El conocimiento está literalmente en la palma de tu mano y, si le sumas práctica constante, podrás crear cosas que antes parecían inalcanzables.

Antes del boom de internet, acceder a este nivel de información era costoso y lento. Ahora, puedes generar ideas brillantes de la mano de los mejores y aprender directamente de tus referentes, muchas veces de forma gratuita.

Mi invitación para ti es esta: abraza tu curiosidad. Explora, practica y, sobre todo, no te quedes con una sola opinión. Aprende, cuestiona y crea tus propios sistemas. Evoluciona en tu arte; el mundo digital ya te dio las herramientas, ahora te toca a ti disparar la cámara.